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この作品は１９５２年にパリで開かれたサロン・ド・メ展に出品された。大胆に単純化された二人の人物が、抑制された色彩で描かれている。大正の初めごろから、日本では雑誌の図版などを通じてピカソが紹介されるようになり、昭和初期には若い作家を中心に数多くの追従者を生んだ。マティスと共に近代精神の象徴的な存在を理解されていたらしい。そのころ、東京美術学校に学んだ香月も例外ではない。ピカソを研究した数多くのデッサンを残し、卒業制作にはピカソの青の時代の影響が濃厚な作品を発表している。その後、香月はピカソを離れた作風を試み、戦後は萩焼の絵付など極めて日本的な工芸の世界にも手を染めている。ピカソを指して「所詮（しょせん）日本人には理解できぬ」とも述べている。しかし若いころのピカソ研究は生涯にわたって制作の骨格となったらしく、この作品のキュービズム（立体主義）的な平面分割にも、ピカソに学んだ跡を見ることができる。（江川佳秀「文化の森から・収蔵品紹介」讀賣新聞1989年10月18日掲載）

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抽象とは？【 美術用語 】

語源はラテン語のアブストラヘレ。対象の構成要素のうち、或るものを他から切り離して、ひき出すこと。絵画や彫刻においても、対象の本質的要素を選び出して描写する点において、多かれ少なかれ抽象の作用が含まれるが、美術上この概念が特別な意義を持つようになったのは、１９０８年にヴォーリンガーが「抽象と感情移入」において、芸術の根本衝動のひとつとして抽象衝動をあげ、これによって原始民族や東方の諸民族の非抽写的な美術を正当に評価しようとしたことと、１９１０年にカンディンスキーが、初めて対象的事物を描かない絵画を発表し、１９１２年には「芸術における精神的なもの」において絵画への道のひとつの極として純粋抽象を論じたことに始まる。これ以降、外的対象的世界を描写しない作品が次々と現われ、非具象（ノン・フィギュラティフ）、絶対、非対象、非再現などと呼ばれたが、最も一般的な呼称として抽象が普及した。また、抽象の出現により、それに対抗して再現的な表現を総括するために具象の概念が使われるようになった。

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